« Saint Sébastien"- un tableau du grand artiste italien (1429/31 - 1479). Le tableau a été peint en 1476. Toile, huile. Dimensions : 171 x 85,5 cm Situé dans la Galerie des Maîtres anciens à Dresde.

Saint-Sébastien était extrêmement populaire auprès des artistes du passé qui se consacraient à la peinture religieuse. Saint Sébastien a été peint par des artistes tels que Titien, Caravage, Georges de Latour, Giovanni Boltraffio, Marco Palmezzano, El Greco, Rubens, Eugène Delacroix, Camille Corro, Salvador Dali, Paolo Veronese, Guercino, Guido Reni et bien d'autres. Selon certaines estimations, environ 6 000 images de Saint Sébastien ont été créées dans l'histoire de la peinture, ce qui en fait l'un des saints les plus populaires parmi les artistes d'hier et d'aujourd'hui.

Comme vous le savez, le saint chrétien et martyr Saint Sébastien, en punition de sa foi, a été attaché à un poteau et transpercé de flèches. Les blessures n'étaient pas mortelles et il a survécu, mais a ensuite été lapidé à mort.

Antonello da Messina a représenté dans son tableau non seulement la scène même de la défaite de Sebastian avec des flèches. Cette image représente le pouvoir de la foi. Tout d'abord, il convient de noter l'expression faciale et la posture de Sebastian. Des flèches percées par lui, il ne se tord pas de douleur et son visage n'est pas déformé par la souffrance. Il se tient droit et son regard est dirigé avec détachement vers le ciel. Ainsi, l'artiste dépeint une conviction inébranlable et invincible dans sa foi et la pureté spirituelle du saint. Il convient également de prêter attention à l'environnement. En arrière-plan, de belles maisons aux hautes arcades. Les gens en arrière-plan vaquent à leurs occupations. Ils se soucient peu de l'exécution d'un homme qui souffre pour sa foi. Par cela, l'artiste a montré que Sébastien s'opposait au monde entier, croyait en la justesse de la foi chrétienne malgré l'indifférence et la condamnation de tous ceux qui l'entouraient.

La peinture est exécutée de manière très magistrale et est donc l'une des meilleures images de Saint-Sébastien, ainsi que l'une des meilleures œuvres de peinture du début de la Renaissance.

Peinture "Saint Sébastien" d'Antonello da Messina

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Jan Harmensz van Beilert (1597/1598, Urtrecht - 1671, Urtrecht) est le fils d'un peintre verrier d'Urtrecht. Ses deux frères décident de suivre les traces de leur père, tandis que Jan décide de devenir peintre. Après avoir terminé son apprentissage auprès du célèbre maniériste Abraham Bloemart, Jan partit pour Rome en Italie vers 1621. Beylert emprunte rapidement les principales techniques picturales du caravagisme et les thèmes qui le caractérisent, commençant à peindre des scènes de soldats buvant et s'amusant avec des filles jouant aux dés ou aux cartes, et représentant également des garçons et des filles jouant de la musique. En 1625, l'artiste retourna à Utrecht et épousa la même année Margriet Kemings. En 1630, Beylert devient chef de la Guilde de Saint-Luc. À la maison, la carrière de l'artiste s'est développée avec succès. Poursuivant le teu caravagiste, l'artiste a peint des images à demi-figurées d'hommes et de femmes, en règle générale, jouant de la musique ou buvant, ce qui indique la demande pour de tels thèmes sur le marché. En outre, l'artiste a peint des portraits, y compris des portraits de groupe. Pour le roi du Danemark, Beylert réalise une tapisserie en carton. Plus de 200 œuvres de l'artiste sont connues. Ses meilleures œuvres appartiennent à la période des années 1620 et 1630.
Cette toile provient de la collection d'Ilya Samoilovich Zilberstein. Granida est un personnage de la pièce pastorale hollandaise Granida de Peter Hooft. Granida, la fille d'un roi oriental, fiancée au prince Tysipherne, s'est perdue en chassant. Elle rencontra le berger Daifilo et sa maîtresse Dorilea, qui venaient de se quereller. Daifilo est allé chercher de l'eau pour que la princesse lui donne à boire et est tombé amoureux d'elle. Il la suivit à la cour, et après quelques rebondissements dans l'intrigue, ils s'enfuirent ensemble dans les bois pour s'adonner à la vie pastorale. Daifilo a été capturé et emprisonné par l'un des gardes de la suite de Granida. Ils ont finalement été réunis à nouveau après l'intervention de Tysiphernes, qui a renoncé à sa prétention sur elle. Cette pièce établit la mode des idylles pastorales en Hollande et resta longtemps populaire. Il est largement représenté dans la peinture hollandaise du XVIIe siècle.

Jan Harmensz van Beilert Le joueur de luth. Vers 1630 des fonds du Musée Pouchkine. Origine : en 1937 reçu en cadeau de M.B. Benediktov, Moscou.

Jan Harmensz van Beilert "Flutiste". Vers 1630 des fonds du Musée Pouchkine. Origine : en 1937 reçu en cadeau de M.B. Benediktov, Moscou.

Les peintures sont appariées, bien qu'elles diffèrent par le niveau d'exécution. Les caravageurs d'Utrecht répétaient souvent leurs propres compositions ; il est fort possible que ces deux toiles soient parmi les répliques d'un tel auteur.

Gerit van Honthorst "Le berger et la bergère" Années 1620 des fonds du Musée Pouchkine, achat par F.P. Orlov, Moscou.

Honthorst Gerrit ou Gerard (surnom "Night Gerard") (1590-1656), peintre et dessinateur hollandais. Il étudie à Utrecht avec A. Blumart, en 1610 ou 1612-1620 il travaille en Italie, où il subit l'influence du Caravage. Grâce à de puissants mécènes - le cardinal Scipione Borghese et le grand-duc de Toscane, Honthorst reçut d'importantes commandes pour les églises de Rome. De retour à Utrecht (1620), il rejoint la guilde des peintres (1525) et devient largement connu ; il peint des peintures religieuses et de genre et a 25 élèves. Honthorst peint des scènes de genre intimes et des compositions bibliques interprétées dans un esprit quotidien, construites sur les effets d'un éclairage nocturne artificiel. En 1628, Honthorst se rendit à Londres, où il peignit des portraits de Charles Ier et de sa femme, Henrietta Maria, et donna des leçons aux filles de Charles Ier. Plus tard, sa peinture a de nouveau subi des changements, car il a commencé à suivre le style d'Anthony van Dyck. En 1641, il est nommé peintre de la cour de Guillaume, prince d'Orange. En 1649, il participe aux peintures du palais royal de La Haye (la soi-disant "maison en bois").En 1652, il retourne à Utrecht, où il meurt quelques années plus tard.

Valentin de Boulogne "Le Reniement de Saint Pierre" 1620 du fonds du Musée Pouchkine

Cette œuvre de Valentin de Boulogne est la deuxième sur le même thème présentée à l'exposition, mais déjà issue des collections du musée Pouchkine. Acquis par Catherine II pour l'Ermitage dans le cadre de la collection de c. Brühl en 1769. Transféré au musée Pouchkine en 1930. Une copie du tableau du musée Pouchkine se trouve dans la chapelle de l'hôpital de la Salpêtrière à Paris.

Tommaso Salini, surnommé par Mao "Le Couronnement d'épines" ser. 1610 (traduit du bois) des collections du musée Pouchkine

Pour autant que l'état de la couche picturale nous permette d'en juger, le tableau a été peint sur un socle en bois ; les fibres de bois étaient dirigées verticalement. En 1770, issue de la collection de François Tronchin, elle entre à l'Ermitage ; depuis 1924 au Musée Pouchkine im. A. S. Pouchkine. Au recto à droite figure le numéro de l'Ermitage d'après l'inventaire 1797-6. Au dos de la toile figure le numéro de l'Ermitage d'après l'inventaire 1859 - 2181 (au pochoir) et l'inscription : « transféré du bois à la toile par F. Rybin en 1839. De : Pétersbourg.
Tommaso Salini (1575, Rome - 13 septembre 1625, Rome) était un peintre baroque italien. Appartenait aux maîtres oubliés. Un petit nombre de faits de la vie de l'artiste ont été reconstitués à partir de documents d'archives. Né à Rome vers 1575. Le jour et le mois de naissance sont inconnus. Il est issu d'une famille de sculpteur romain. Il s'est attaqué à des compositions bibliques et à des peintures du genre quotidien. Il s'est spécialisé dans la création de natures mortes, différentes des natures mortes baroques des maîtres de l'école d'Anvers ou des natures mortes des Hollandais, dans lesquelles il a obtenu un succès notable. Entretient des relations amicales avec l'artiste et historiographe Giovanni Baglione (1566-1643). Comme Baglione, il appartenait au camp des ennemis du Caravage. Giovanni Baglione a écrit une biographie courte et incomplète de Tommaso Saline. Depuis 1605, il était membre de la Guilde de Saint-Luc à Rome. Après une querelle avec Antiveduto Grammatica, ce dernier a tout fait pour priver l'artiste de l'appartenance à la guilde. Le nombre de membres de la guilde était limité. Le lieu libéré après que Tommaso Salini a été donné à l'artiste français Simon Vue. Tommaso Salini ne réussit à retrouver sa propre appartenance à la guilde romaine qu'en 1618. en 1619, il est élu à l'Académie des Virtuoses du Panthéon, dont il devient président en 1624. Il est titulaire de l'Ordre de l'Eperon d'Or. Il mourut à Rome le 13 septembre 1625.
La toile de Tommaso Salini représente un moment dramatique de la Passion du Christ, lorsque le bourreau, plaçant une couronne d'épines sur la tête du Sauveur, la serre avec une corde spécialement enfilée entre les branches de l'épine pour intensifier la douleur, afin que les épines acérées pénètrent plus profondément dans la chair non protégée. Le bourreau enfila prudemment un gant sur la main qui était en contact avec l'épine. Apparemment, voyant déjà le premier de ses efforts, il ouvrit la bouche dans une sorte d'extase de la violence qu'il faisait, qui l'absorbait complètement. Le visage du Christ, au contraire, est calme, bien que pâle, comme sa poitrine et ses bras nus. La douleur qu'il a ressentie a semblé l'éclairer et l'a finalement préparé à assumer un rôle sacrificiel au nom d'un objectif noble et bon. Avec un état émotionnel aussi différent, voire contrasté, des images, la similitude physionomique frappante entre la victime et le bourreau est d'autant plus frappante. (Extrait de l'article "Rhétorique iconique dans la peinture d'Alexandre Ivanov "Joseph interprétant les rêves des autres et du boulanger" d'Alexandre Sechin

Hendrig Terbruggen "Berger avec une flûte" 1627 huile sur toile des fonds du musée Pouchkine

Né, très probablement, à La Haye en 1588. Au début des années 1590, sa famille s'installe à Utrecht. Au début des années 1600, il étudie à l'atelier d'A. Blumart à Utrecht. À l'âge de treize ans, il est influencé par le maniérisme. En 1604 ou 1607 il vint à Rome pour se perfectionner dans l'art, selon les hypothèses, il rencontra Rubens et le Caravage. Après être revenu par Milan et la Suisse à Utrecht (1614), il travailla avec G. van Honthorst et d'autres "caravagistes d'Utrecht". En 1616, il a été admis à la Guilde de Saint-Luc, dans la même année, il s'est marié. En 1626, il achète une grande maison dans la ville. En 1627, il rencontre Rubens, qui arrive à Utrecht. Terbruggen a peint des scènes religieuses et des compositions à une figure en demi-longueur ou des scènes avec plusieurs personnages représentant des cartes à jouer, des concerts, des cavaliers avec des verres de vin, des femmes avec des instruments de musique - motifs communs chez les jeunes contemporains du Caravage et de Terbruggen, les caravageurs d'Utrecht Gerrit Honthorst et Dirk van Baburen. Décédé lors d'une épidémie de peste. La peinture de Terbruggen, caractérisée par une profonde mélancolie et une puissance dramatique, était très appréciée par Rembrandt, Hals, Vermeer, Rubens, qui le considéraient comme le meilleur des maîtres d'Utrecht.

Francesco Curradi "Garçon à la lampe" vers 1620 des collections du musée Pouchkine

Le tableau Reçu en 1924 de la maison du musée Shuvalov à Leningrad.
Francesco Curradi (15 novembre 1570 - 1661) était un peintre italien du style décrit comme Counter-Maniera ou Counter-Mannerism originaire de Florence. Curradi a principalement peint de petites toiles pour diverses églises de Florence.

Nicolo Renieri "Chef d'un jeune" Bois des années 1620 (noyer), huile provenant des fonds du musée Pouchkine. Origine : à partir de 1823 (?) - Ermitage, en 1862 transféré au musée Roumiantsev, à partir de 1924 au musée Pouchkine

Non seulement la peinture est réalisée sur bois, mais elle est aussi ronde et convexe comme une lentille. Artiste ayant travaillé en Italie, Renieri a étudié à Anvers dans l'atelier d'Abraham Janssens. Vraisemblablement vers 1615, il vint à Rome, où il se lia avec les caravagesques, en particulier avec Manfredi, à qui l'on attribue parfois ses œuvres. Pendant un certain temps, Renieri était un artiste avec un aristocrate romain, banquier du Vatican, collectionneur et mécène du Caravage, le marquis Vincenzo Giustiniani. En 1625 ou 1626, Renieri quitte Rome et s'installe à Venise, où il vit jusqu'à la fin de sa vie. Cependant, loin de la culture romaine, son génie s'est évanoui : sous l'influence de la peinture d'Émilie, son caravagisme originel s'adoucissant, il peint des tableaux sur des sujets historiques et mythologiques. Ses peintures sont parfois captivantes, mais le plus souvent elles sont médiocres ; des traces de sa première période karavadzhienne apparaissent dans les contours ombrés et la clarté des figures. Ses quatre filles étaient ses élèves.
La peinture appartient à la période la plus productive de la vie de Renieri, lorsque l'artiste a acquis une maturité professionnelle, mais n'a pas encore perdu la fraîcheur de la perception de la nouvelle réalité dans laquelle il se trouvait à Rome. Ceci est indiqué par la manière picturale et, éventuellement, l'utilisation d'une base en bois, plus familière au mât de l'école du nord. Le regard du jeune homme dirigé vers le spectateur suggère qu'il s'agit d'un autoportrait de l'artiste ou de l'un de ses amis proches - les Flamands ou les Français, avec qui il partageait abri et table à Rome.

Bartolomeo Manfredi "Vendeur de fruits" début 1620 huile sur toile des fonds du musée Pouchkine. Reçu en 1924 de la branche Rogozhsko-Simonovsky de la Galerie nationale Tretiakov à Moscou. Auparavant, il était dans la collection de M.P. Christy à Moscou.

L'un des caravageurs les plus constants fut le peintre italien Bartolomeo Manfredi (1587-1620). Le destin de l'artiste était comme le destin du Caravage, il mena une vie orageuse pleine de dangers et mourut jeune d'une grave maladie. On sait très peu de choses sur la vie et l'œuvre de Manfredi. Notre connaissance de la première période de la vie de l'artiste est particulièrement rare, on sait seulement qu'il vient de la ville d'Ustiniano près de Mantoue. Probablement vers 1606 l'artiste vient à Rome. Il est ici au moment où Caravage, accusé de meurtre, est contraint de fuir la ville. Mais la gloire du Caravage est encore extrêmement grande, les légendes parlent de lui, ses peintures peuvent être vues dans les églises et les palais romains. Manfredi tombe complètement sous le charme de l'art du Caravage. Il étudie son style de peinture en détail et étonne très vite ses contemporains par l'extraordinaire ressemblance de ses peintures avec les œuvres du Caravage. Les tableaux de Manfredi sont achetés par les plus grands collectionneurs Vincenzo Giustiniani, les Médicis, le duc de Savoie patronne l'artiste. L'Académie Florentine des Arts souhaite avoir son autoportrait. La renommée de l'artiste se répand rapidement en dehors de l'Italie. Les œuvres de Manfredi sont acquises pour leurs collections par le duc de Buckingham, le cardinal Mazarin et l'archiduc néerlandais Léopold. Bien que rarement vues dans les églises, les peintures de Manfredi ornaient en grand nombre les palais romains et florentins. Là, ils ont rencontré des artistes européens venus en Italie. Manfredi était admiré et était un professeur de caravagisme pour ces jeunes étrangers.
La toile est un excellent exemple de nature morte caravagesque avec un personnage. Les oeuvres de ce genre sont très rares. La composition du tableau avec la figure décalée vers la droite du centre suggère l'existence d'une œuvre jumelée, qui, peut-être, ne nous est pas parvenue.

Angelo Caroselli "Saint Sébastien avec St. Irina "tôt 1620 huile sur toile Musée Pouchkine im. Pouchkine. Au dos de la toile figure le numéro de l'Ermitage d'après l'Inventaire 1859 - 2140 (au pochoir). Acquise en Italie en 1846 pour la collection de l'Ermitage, d'où en 1930 elle entre au Musée Pouchkine.

Le peintre italien Angelo Caroselli (1585-1653) était un peintre talentueux qui, jusqu'à présent, était plus connu pour faire des copies et des pastiches du travail d'autres artistes que pour créer son propre travail. À la recherche de travail, il quitta Rome pour se rendre à Naples et passa plusieurs années à l'emploi du Piedemonte de Liso. De retour à Rome, on l'accuse d'avoir tenté de vendre des faux qu'il avait peints à la manière des grands maîtres. Passeri le décrit comme quelqu'un qui s'habille à la mode mais qui a une mauvaise réputation.
Les images de Saint-Sébastien sont étonnamment diverses. Il a été peint par plus de deux cents artistes différents, certains plus d'une fois. Perugino a écrit huit Sebastian, Guido Reni - cinq, Mantegna - trois, van Dyck - quatre, Gustave Moreau - sept. Dans le même temps, une signification complètement différente a été donnée à l'image du saint. Sebastian agit soit en tant que protecteur des personnes de la peste, soit en tant que personne qui a miraculeusement échappé à la mort, soit en tant que héros et martyr chrétien, soit en tant qu'incarnation de la beauté spirituelle et corporelle. Beaucoup de ses amis chrétiens ont été exécutés. Le dernier à être torturé fut saint Sébastien lui-même. L'empereur Dioclétien l'interrogea personnellement et, s'étant convaincu de la fermeté du saint martyr, ordonna qu'il soit emmené hors de la ville, attaché à un arbre et percé de flèches. Le 20 janvier 354, Sebastian a été attaché à un arbre et ses propres archers lui ont tiré dessus jusqu'à ce qu'ils pensent qu'il était mort. Cependant, Saint-Sébastien a survécu. L'épouse du dignitaire Castulus, la chrétienne Irina, vint de nuit enterrer saint Sébastien, mais le trouva vivant et l'amena chez elle. Saint Sébastien se remit bientôt de ses blessures. Les chrétiens le pressèrent de quitter Rome, mais il refusa. En s'approchant du temple païen, le saint vit l'empereur s'y diriger et le dénonça publiquement pour impiété. Dioclétien ordonna que le saint martyr soit emmené à l'hippodrome et exécuté. Saint Sébastien a été tué et son corps a été jeté dans une fosse à ordures.

(Titien)
Saint Sébastien est la seule image de l'histoire du christianisme qui soit représentée aussi nue : un modeste pagne recouvre à peine la virilité du héros du tableau. Selon Igor Kon, spécialiste de la sexologie soviétique, qui a consacré plus d'un travail scientifique à l'étude de cette image, l'image de Saint-Sébastien s'est avérée être une image préférée des gays. "Il y avait même une telle opinion que ce saint est homosexuel. Saint Sébastien a attiré l'attention des homosexuels, et il y a des preuves pour cela", dit Cohn.

L'une des descriptions les plus frappantes de saint Sébastien se trouve chez l'écrivain japonais Yukio Mishima : « Le corps nu d'un jeune homme d'une beauté divine était pressé contre un arbre, mais à part les cordes qui liaient ses mains hautes, il n'y avait pas Les hanches de saint Sébastien étaient recouvertes d'un morceau de tissu blanc grossier... un corps d'une blancheur éblouissante, ombragé par un fond sombre et flou, est lumineux.(...) Dans une poitrine tendue, un ventre serré, légèrement hanches tordues, il n'y a pas une convulsion de souffrance physique, mais une extase mélancolique, comme aux sons de la musique. , sous le bras, l'autre à droite, sur le côté, on pourrait
penser que cet athlète romain se repose dans le jardin, adossé à un arbre..." (le roman "Les Confessions d'un Masque")

Une autre description vient de l'aumônier personnel de la reine Victoria, Charles Kingsley, qui n'a jamais admis sa dépendance homosexuelle : « Ces membres masculins, si larges et si délicats, se détachant sur le fond de la lumière fantomatique, l'impuissance des mains liées, la flèche flottant au flanc percé, le front renversé, les yeux, au fond obscur desquels la foi enthousiaste semblait vaincre le tourment et la honte... A l'intensité de mon regard, mes yeux étaient prêts à sortir de leurs orbites.

Kohn note que les images de Saint-Sébastien ont été peintes par environ 200 artistes, et pas tous à la fois. A partir du XIIIe siècle, Sébastien est dépouillé et rajeuni. Et deux siècles plus tard, il était généralement fait un jeune homme doux. "Certains artistes construisent souvent une composition pour que le spectateur regarde l'image d'en bas... Par conséquent, la première chose qui attire l'attention, ce sont les organes génitaux du martyr. Mais ils sont toujours recouverts d'un bandage ou d'un slip de bain. Cela a donné nourriture à l'imagination homoérotique. Quelqu'un s'est imaginé dans les rôles de Sebastian lui-même, et quelqu'un d'autre comme ses bourreaux », dit Cohn. Soit dit en passant, les flèches avec lesquelles le corps de Sebastian est coincé ont plus d'une signification : la mort, l'amour et un symbole phallique (un objet pointu qui a pénétré le corps de la victime).

Le travail de tous les artistes a suscité l'intérêt des gays. Mais encore, l'image la plus aimée de Saint Sébastien a été réalisée par l'artiste Guido Reni. C'est à lui que Yukio Mishima et Charles Kingsley confessent leur amour.

Les images de Saint-Sébastien sont étonnamment diverses. Il a été peint par plus de deux cents artistes différents, certains plus d'une fois. Perugino a écrit huit Sebastian, Guido Reni - cinq, Mantegna - trois, van Dyck - quatre, Gustave Moreau - sept. Dans le même temps, une signification complètement différente a été donnée à l'image du saint. Sebastian agit soit en tant que défenseur des personnes de la peste, soit en tant que personne qui a miraculeusement échappé à la mort, soit en tant que héros et martyr chrétien, soit en tant qu'incarnation de la beauté spirituelle, soit en tant que séducteur universel, soit en tant que personnification de la même chose. amour sexuel. Qu'est-ce qui explique l'attractivité de cette image et pourquoi autorise-t-elle tant d'interprétations ?

Selon la légende, Sebastian est un légionnaire romain, capitaine d'archers, qui s'est converti au christianisme et a commencé à convertir les autres à sa foi. Pour cela, l'empereur Dioclétien a ordonné son exécution. Le 20 janvier 354, Sebastian a été attaché à un arbre et ses propres archers lui ont tiré dessus jusqu'à ce qu'ils pensent qu'il était mort. Cependant, l'homme fort a survécu (selon l'une des versions, Sainte Irina est sortie de lui). Ensuite, il a été soumis à une grave flagellation à mort et le cadavre a été jeté dans les égouts.

Sa première vie est apparue au 5ème siècle et a progressivement acquis de nouveaux détails. Vers 680, lorsqu'une terrible épidémie de peste ravagea Pavie et Rome, l'un des habitants eut la vision de construire une chapelle en l'honneur de Saint-Sébastien. La chapelle a été construite, après quoi l'épidémie s'est arrêtée et Saint Sébastien est devenu célèbre en tant que protecteur de la peste.

Les premières représentations de saint Sébastien, à partir des fresques byzantines des VIe-XIe siècles, le représentaient comme un homme mûr, bien habillé, musclé, barbu (le capitaine des archers ne pouvait pas être un jeune homme), avec une couronne de martyr dans sa main. Parfois, il a été dépeint comme tel plus tard. Le musée de la sculpture ancienne de Francfort (Liebighaus) possède une sculpture en bois sud-allemande très expressive (vers 1520) de Saint Sébastien avec une barbe, des jambes tordues et une expression claire de souffrance sur son visage, où il n'y a pas l'ombre d'une idéalisation. Paolo Veronese (1565, église Saint-Sébastien à Venise) dépeint Saint-Sébastien comme un homme barbu d'âge moyen qui est traîné quelque part; il n'y a pas de plaisir à souffrir, pas de corps nu séduisant. L'un des nombreux Sebastian Titien (c. 1511-12, Venise, Santa Maria della Salute) est écrit avec une moustache et une barbe. "Saint Sébastien" Rubens (1618) - un jeune homme sain et dense avec une moustache. Mais les exceptions ne font que confirmer la règle.

Tout cela nourrissait abondamment l'imaginaire homoérotique à tendance sadomasochiste, permettant au spectateur, selon ses propres prédilections, de s'identifier à la fois à Sébastien lui-même et à ses bourreaux. Selon une histoire, "Saint Sébastien" de Fra Bartolomeo a même été retiré de l'église parce qu'il a suscité des pensées pécheresses chez les paroissiens. Si dans l'Espagne primitive le décorum était observé plus strictement, alors dans l'Italie de la Renaissance, Saint Sébastien est devenu un véritable Apollon chrétien ou Adonis - jeune, beau et déshabillé.

Les flèches sont également un symbole à valeurs multiples. D'une part, ils apportent la mort (par exemple, les flèches d'Apollon, avec lesquelles il a tué les enfants de Niobe). D'autre part, la flèche est un symbole phallique clair (un objet pointu qui pénètre dans le corps de la victime). Et enfin, c'est un signe d'amour. L'expression "flèches d'amour" était très répandue dans la poésie de la Renaissance. Si l'artiste inscrivait son propre nom sur la flèche, cela confirmait non seulement la paternité de l'image, mais pouvait également être une déclaration d'amour pour le personnage représenté. Les contemporains ont même souvent nommé les noms de jeunes hommes spécifiques à partir desquels les artistes ont peint leurs Sébastiens, arguant qu'il existait une relation amoureuse entre le maître et son modèle. Cela donne à l'image de saint Sébastien un caractère homoérotique (cependant, des madones ont également été peintes à partir de femmes mortelles ordinaires, parfois de vertu facile).

Comme le note MK, au début du XXe siècle en Allemagne, une étude a été menée auprès d'homosexuels et il s'est avéré que leur image préférée était Saint Sébastien. Lorsqu'on lui a demandé comment l'Église catholique se rapportait à cela, le père Zbigniew de l'Église de l'Immaculée Conception de la Bienheureuse Vierge Marie a répondu. "Les artistes ont le droit de donner vie à leur vision - c'est de l'art, après tout. Qui sait qui et ce qui éveille l'intérêt et les fantasmes des gens ? Chacun verra dans ce travail ce qu'il veut" ...

Au fait, vous pouvez tracer ici les options d'idées sur la beauté dans différents
artistes. Quel que soit le goût, c'est individuel, mais créer une toile chacun
d'entre eux, s'appuyaient néanmoins sur les idées prévalant dans la société de son temps.

Sebastiano Del Piombo. Sainte Famille avec St. Catherine, St. Sebastian et avec un donateur, ou Sacra Conversazione (Saint
interview). Venise, 1485 ? —Rome, 1547

« Saint Sébastien"- un célèbre tableau du grand artiste italien de l'école de Bologne (1575-1642). L'image du genre religieux a été peinte dans la première moitié du XVIIe siècle - 1617-19. Toile, huile. Dimensions : 170 x 133 cm Situé au Musée National du Prado, Madrid, Espagne.

Saint Sébastien est un célèbre saint chrétien et martyr. Il est peut-être l'un des saints chrétiens les plus populaires représentés par de grands artistes. Le plus souvent représenté comme un homme attaché à un arbre et percé de flèches. Saint Sébastien a été peint par des artistes tels que Antonello da Messina, Giovanni Boltraffio, Andrea Mantegna, Sandro Botticelli, Anthony van Dyck, Paolo Veronese, Annibale Carracci, Titien, El Greco, Rubens, Camille Corot, Gustave Moreau et bien d'autres. Guido Reni, qui a consacré la majeure partie de son travail à des thèmes mythologiques et religieux, ne pouvait passer à côté d'une intrigue aussi vivante et a créé un tableau qui est aujourd'hui reconnu comme un chef-d'œuvre de la peinture mondiale.

Dans la peinture de Reni, on peut voir le personnage principal - Saint Sébastien. Le saint est représenté par un jeune garçon. Il est percé d'une seule flèche. Arqué de douleur, il lève les yeux, comme s'il cherchait un appui dans le tourment qui s'abat sur lui. Selon l'histoire du saint, l'empereur Dioclétien a ordonné l'exécution de Sébastien. Pour adhésion à la foi chrétienne, il a été ligoté et transpercé de flèches. Les bourreaux qui ont exécuté la sentence ont pensé que Sébastien était mort et l'ont laissé là où il était. Cependant, ses blessures n'étaient pas mortelles, il a pu survivre, après quoi il est de nouveau apparu devant l'empereur, démontrant la force de sa foi. Après cela, Saint Sébastien a été exécuté une seconde fois. Cette fois, il a été lapidé à mort.

Tableau "Saint Sébastien" de Guido Reni

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Dans le Musée Pouchkine im. COMME. Pouchkine, l'exposition « Caravage et suiveurs. Peintures des collections de la Fondation Roberto Longhi à Florence et du Musée Pouchkine im. COMME. Pouchkine. La particularité de l'exposition est qu'elle comprend des œuvres apportées d'Italie, appartenant à la Fondation Roberto Longhi à Florence, ainsi que des œuvres de la collection du Musée national des beaux-arts nommé d'après A.S. Pouchkine. Au total, il présente plus de 50 œuvres d'art. (Toutes les photos sauf la première proviennent d'Internet)

Trente peintures de la Fondation Longhi font partie d'une riche collection réunie par le savant et critique Roberto Longhi (1890-1970), l'un des éminents représentants de l'histoire de l'art dans le monde. Aujourd'hui, comme du vivant de Roberto Longhi, cette collection est conservée dans sa villa (Villa il Tasso) à Florence, qui est aujourd'hui un centre majeur d'étude de l'art italien de la Renaissance et du baroque. Le cœur de l'exposition est le célèbre tableau "Le garçon mordu par un lézard" (1594), qui fait référence à la première période de l'œuvre du Caravage. Ici vous pouvez lire sur Roberto Longhi.

Critique d'art, critique d'art, collectionneur Roberto Longhi (1890-1970) a apporté une énorme contribution à l'étude de la peinture italienne. Grâce à ses activités de recherche, de nombreux artistes oubliés ont été redécouverts, dont Caravaggio, dont le travail est devenu l'objet d'un intérêt particulier pour le scientifique. Le résultat de l'intérêt durable de Longhi pour le travail du Caravage et de ses disciples a été la première exposition du Caravage et des Caravages à Milan (1951) et deux éditions d'une monographie sur l'artiste (1952, 1968). Longhi décède en 1970, léguant ses collections "au profit des générations futures". Ils sont conservés par la Fondation Roberto Longhi pour l'étude de l'histoire de l'art, fondée à Florence en 1971. La possibilité de voir les trésors du fonds n'est offerte que lors d'expositions.


Roberto Longhi. Photo. années 1940

Michel-Ange Merisi de Caravaggio. "Le garçon mordu par le lézard". 1593-1594. Hum. Fondation Roberto Longhi, Florence

Le tableau du Caravage "Garçon mordu par un lézard" est connu en deux versions. La toile présentée à l'exposition était à Paris, dans la collection D'Atry, puis s'est retrouvée à Rome, où Longhi l'a acquise. La deuxième option est à la National Gallery de Londres. On pense que la copie florentine a été créée pour la première fois - vers 1543-1544. L'un des biographes du Caravage, Giovanni Baglione, pensait que le tableau «Le garçon mordu par un lézard» avait été peint pendant une période difficile, lorsque l'artiste de vingt ans est arrivé à Rome. Comme l'écrivait Baglioni en 1642 : « Puis il vécut plusieurs mois dans la maison du gentilhomme Giuseppe Cesare d'Arpino. Après cela, il a essayé de travailler seul et a peint plusieurs tableaux en regardant son reflet dans le miroir. Le premier était Bacchus, avec des grappes de raisins de différentes couleurs, peintes avec beaucoup de soin, mais d'une manière assez sèche. Il a également peint un garçon qui a été mordu par un lézard qui a émergé des fleurs et des fruits ; la tête semblait vraiment crier, tout était écrit avec beaucoup de diligence. Cependant, il n'a pas réussi à saisir et à vendre ces peintures.

Bartolomeo Passarotti, "Marchands de volailles" 1580 huile sur toile Fondation Roberto Longhi, Florence

Bartolomeo Passarotti 1529-1592 est né dans la ville de Bologne. Il a peint des tableaux sur des sujets religieux, des portraits. Parfois, il a inclus des détails quotidiens et des images d'animaux dans des portraits, malgré le prestige de ces ajouts. Il est considéré comme le fondateur du genre nature morte dans la peinture italienne. L'image d'un moineau inclus dans l'image est une sorte de signature de l'artiste (en italien, un moineau est "passaro").

Artiste inconnu Copie du "Garçon épluchant des fruits" de Michelangelo Merisi da Caravaggio, huile sur toile. Fondation Roberto Longhi Florence

Il existe également 3 autres versions de la peinture "Boy Peeling Fruit", sans doute attribuées au Caravage, situées dans diverses collections privées. L'un de ces tableaux fait partie de la Collection Royale de Grande-Bretagne. C'est juste ça, la deuxième image du Caravage, qui est modestement silencieuse partout. Même dans le titre, il apparaît comme une copie. A qui appartient la copie ? Si l'auteur du Caravage n'est qu'une répétition d'auteur ou une "liste d'auteurs". Dans cet ouvrage, écrit à Rome, tout est extrêmement simple - sur le fond gris du mur, se détache la figure d'un garçon en chemise de lin blanc, assis à la table de la cuisine et faisant ses affaires habituelles. Vous pourriez rencontrer de tels garçons de courses dans n'importe quelle taverne. Certains historiens de l'art ont vu dans l'œuvre du jeune artiste une allégorie des cinq sens, prétendument inspirée par les pensées de Pline l'Ancien sur le lien entre la peinture et la nature, lorsqu'il a parlé du peintre grec ancien Zeuxis, qui savait comment pour représenter une grappe de raisin sur la toile de manière si plausible que les oiseaux affluent vers l'image pour manger de délicieuses baies. Il est difficile de supposer que l'artiste novice a entendu parler de Pline - c'est juste que l'écriture de la vie est restée son désir constant.

Angelo Caroselli "Allégorie de la fragilité" années 1620 huile sur toile Fondation Roberto Longhi, Florence

Carlo Saraceni "La découverte de Moïse" 1610 huile sur toile Fondation Roberto Longhi, Florence
Acquis en 1927 au marché des antiquaires de Naples.

Saraceni Carlo, surnommé Carlo Veneziano (c. 1580, Venise - 1620, ibid) - appartenait à l'environnement des caravagesques orthodoxes, ses œuvres étaient souvent confondues avec les peintures de Gentileschi et Elsheimer. En 1598, Carlo Saraceni quitta Venise et se rendit à Rome, où, après un bref apprentissage auprès de Camillo Mariani de Vicence, adepte tardif de l'académisme vénitien, il entra dans un cercle "dissolu" et bruyant, dont Caravage était l'idole et le maître en chef. . Depuis 1607 - membre de l'Académie de Saint-Luc. En 1620, Saraceni retourna à Venise avec un élève talentueux, Jean Le Clerc de Nancy, où il mourut subitement.
Selon le livre de l'Exode, Moïse est né à une époque où son peuple augmentait en nombre et où le pharaon égyptien craignait que les Israélites n'aident les ennemis de l'Égypte. Lorsque Pharaon ordonna de tuer tous les garçons nouveau-nés, la mère de Moïse, Jokébed, le cacha dans un panier et le laissa flotter sur les eaux du Nil. Le panier fut bientôt découvert par la fille du pharaon, qui décida d'adopter l'enfant.

Carlo Saraceni "Judith avec la tête d'Holopherne" vers 1618 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

L'image est dédiée à l'histoire de l'Ancien Testament, qui raconte le salut des Israélites de l'armée assyrienne. Holopherne assiège la ville et bloque l'accès à l'eau aux habitants de Vetilui, les condamnant à une mort lente. Pendant ce temps, la jeune veuve Judith, tentant de sauver sa ville natale, enfile de beaux vêtements et se rend avec sa servante au camp des Assyriens. Aux soldats qui l'ont arrêtée dans le camp ennemi, Judith se déclare prophétesse et dit qu'elle va montrer à leur commandant un moyen facile de capturer Vetilui. Arrivée à la tente d'Holopherne, elle lui a dit que les Israélites auraient violé les commandements de Dieu, ce qui signifie qu'ils se sont privés de sa protection et étaient voués à la défaite. Soulignant sa piété, elle a promis à Holopherne d'aider à punir les apostats et de conduire son armée à Jérusalem. Pour cela, Holopherne, admiré par sa beauté et sa sagesse, permit à Judith de vivre dans son camp. Elle y passe 3 jours. Le quatrième jour, Holopherne organisa une fête à laquelle il ordonna d'inviter Judith, car "il avait envie de s'entendre avec elle et cherchait une occasion de la séduire dès le jour où il la vit". Mais, admirant la beauté, Holopherne s'enivre de vin et s'endort. Lorsque les serviteurs ont quitté la tente, Judith a décapité Holopherne endormi avec sa propre épée et a donné la tête coupée à sa servante, qui l'a cachée dans un sac de nourriture. Ensuite, les femmes israéliennes sont retournées à la ville, ont montré la tête aux citadins avec les mots: "Voici la tête d'Holopherne, le chef de l'armée assyrienne, et voici son rideau, derrière lequel il était ivre, et le Seigneur le frappa avec la main d'une femme. Le Seigneur vit, qui m'a gardé sur le chemin que j'ai parcouru! car mon visage a trompé Holopherne jusqu'à sa mort, mais il n'a pas commis de péché odieux et honteux avec moi »Judith est retournée à Betiluia, où elle s'est installée dans son domaine. Beaucoup voulaient la voir comme leur épouse, mais elle a refusé de contracter un second mariage. Elle a vécu 105 ans, jouissant du respect universel. Judith a été enterrée dans une grotte à Vetilui, où son mari Manassé a été enterré.

Giacomo Cheruti. "Pèlerin endormi (St. Roch)" début des années 1740 à l'huile Fondation Roberto Longhi, Florence. Jusqu'en 1953, c'était un cadeau d'Alberto Doddoli.

Giacomo Ceruti (Pitocetto) (1698 - 1767) Aussi connu sous le nom de Jacobus Ceruti, il signa certaines de ses œuvres de ce nom. En Italie, il s'appelait Pitocchetto, c'est-à-dire "le petit mendiant", car dans son travail, il se tournait souvent vers de vrais sujets, écrivait des gens du peuple. Pendant longtemps, les chercheurs disposaient de très peu d'informations sur la vie de l'artiste. Ce n'est qu'au XXe siècle, grâce aux découvertes des chercheurs italiens R. Longhi et J. De Logu, que des données sur la biographie de Ceruti ont été obtenues. Artistes de la première moitié du XVIIIe siècle (dont Cheruti). Longhi a qualifié ceux qui ont travaillé dans différentes régions d'Italie et poursuivi les traditions du Caravage de "peintres de la réalité". L'artiste passa les premières années de sa vie à Milan, puis travailla à Brescia (1728), Venise (1736), Padoue (1737-1741), Plaisance (1743), vraisemblablement décédé en 1767 à Milan.
Les vêtements et le chapeau de l'homme endormi au premier plan peuvent indiquer un membre d'une fraternité ou d'un ordre religieux. Au fond, à l'angle du temple, près duquel est visible la scène de l'aumône aux pauvres, il y a un marché de marchands ambulants avec des étals. La façade d'une des maisons attenantes à l'église est ornée de panneaux de tissus surbaissés. Apparemment, les préparatifs sont en cours pour la foire annuelle ou la fête de l'église. L'église à l'arrière est Sant'Allesandro in Brescia (c'est difficile à reconnaître maintenant). A l'époque de Cheruti, l'église possédait un retable de St. Roja avec un ange par le 16ème artiste de Brescia à Moretto. La peinture de Moretto a servi de modèle à Ceruti : St. Roch est également représenté endormi sous un arbre, à l'arrière-plan se trouve une scène d'aumône aux pauvres, et la fête pour laquelle les préparatifs battent leur plein est la Saint-Pierre. Roch, dont l'image était conservée dans l'église. Peut-être que l'image de Cheruti a été conçue comme un retable.

Matthias Stomer "Evangile à Manoah et sa femme" 1630 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

Matthias Stom (Matthias Stomer) est un célèbre artiste néerlandais du XVIIe siècle. Né ca. 1600. Le lieu de sa naissance n'a pas été clarifié de manière fiable, mais selon certaines sources, il s'agit de la ville d'Amersfoort aux Pays-Bas, dans la province d'Utrecht. Matthias Stom est également connu sous des noms tels que Matteo Stoma, Matthias Stoma, Matteo Fleming. L'artiste hollandais travaillait dans le style du Caravage et appartenait au groupe dit des caravageurs d'Utrecht.
Matthias Stom a peint des thèmes historiques et bibliques. Il a étudié l'art de la peinture à Rome. Stom a travaillé comme artiste à Rome, Naples, Palerme et ses environs.
L'image est liée à l'histoire de l'Ancien Testament sur l'apparition d'un ange à Manoah et sa femme avec une prophétie sur leur fils Samson, qui sera le libérateur d'Israël des Philistins. Samson est l'un des juges de l'Ancien Testament. Sa naissance a été annoncée par l'évangile. Un ange, traditionnellement considéré comme Gabriel, est apparu à la mère de Samson, prédisant cet événement et prophétisant qu'il délivrerait Israël de ses ennemis philistins. Le père de Samson - Manoah - a sacrifié une chèvre et «lorsque la flamme a commencé à monter de l'autel vers le ciel, l'Ange du Seigneur s'est levé dans la flamme de l'autel. Voyant cela, Manoah et sa femme tombèrent par terre."

Matthias Stomer "Guérison de Tobie" 1640 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

L'artiste imagine le moment précédant le miracle : le jeune homme Tobias, sur les conseils de l'archange Raphaël, enduit les yeux du père aveugle de la bile d'un poisson merveilleux qu'il a pêché dans le Tigre. « Et Raphaël dit à Tobie : Tu sais, mon frère, dans quel état tu as laissé ton père ; allons devant ta femme, et préparons une chambre ; et vous prenez dans votre main et la bile de poisson. Et allons-y; Le chien les a suivis. Pendant ce temps, Anna était assise, cherchant son fils sur le chemin, et voyant qu'il arrivait, elle dit à son père : Voici, ton fils arrive, ainsi que l'homme qui l'accompagnait. Raphaël dit : Je sais, Tobias, que les yeux de ton père s'ouvriront ; vous oignez simplement ses yeux avec du fiel, et lui, sentant la causticité, les essuiera, et les épines tomberont, et il vous verra. (Livre de Tobie, 11:1 - 11:7).

Giacinto Brandi "Chartreux pleureur (Saint-Bruno)" vers 1662 huile sur toile Fondation Roberto Longhi, Florence

Giacinto Brandi (Gaeta ou Poli) (1621 - 1691) peintre baroque italien. Il était issu d'une famille d'artisans décorateurs. Au cours de sa longue carrière, l'artiste Brandi s'est fait connaître comme l'auteur de nombreux retables et fresques pour les églises de Rome et du Latium. Le sommet de la carrière et de la reconnaissance de Giacinto Brandi fut son élection à l'Académie de San Luca à Rome en 1668. En 1671-78. Brandi a supervisé la décoration intérieure de l'église de San Carlo al Corso. Tous les sculpteurs, artistes et artisans ont obéi à son plan, et Brandi lui-même nous a laissé de belles fresques dans cette église sur les voûtes du plafond et des murs du presbytère.
Depuis plus de 900 ans, les fils et filles spirituels de Saint Bruno ont passé leur vie dans une ascèse stricte et un silence retiré du monde. La demeure du Chartreux n'est pas seulement un lieu où il fuit les tracas mondains. Ici, il est appelé à s'évader de lui-même, à rompre les derniers fils qui le lient aux hommes, à vraiment « mourir vivant ». Les murs du monastère le séparent du monde, la cellule - du peuple, le silence - de lui-même. Le silence pour un chartreux n'est pas seulement une exigence disciplinaire - la charte ne lui interdit pas de parler si nécessaire. C'est une façon de devenir sourd à son "moi", de laisser ses pensées, ses soucis, ses souvenirs - tout ce qui le fait douloureusement reculer, l'éloigne du but. Le travail d'un moine est de purifier les pensées du cœur et de l'esprit de tout ce qui n'est pas Dieu, et de s'abandonner complètement à son amour dans l'obéissance et la prière.

Orazio Borjanni "Saint Sébastien" 1615-1616 huile sur toile Fondation Roberto Longhi, Florence

La formation artistique d'Orazio Borjanni (vers 1578, Rome - 1616, ibid.) s'est déroulée en Italie et en Espagne à la fin du XVIe - début du XVIIe siècle, à l'époque de la transition du maniérisme tardif au baroque. Il peint des tableaux sur des sujets religieux et mythologiques, ainsi que des portraits. En 1603, il vint à Rome, où il resta jusqu'à sa mort. Son premier biographe, G. Baglione, rend compte de deux voyages de l'artiste en Espagne, l'un soi-disant en 1598-1602, et le second, fiable, en 1604-1605. Borjanni a suivi sa propre voie, loin de toute direction artistique particulière. Mais en même temps, il devient l'un des pionniers du caravagisme en Espagne. À la fin de la période romaine (1605-1616) l'artiste crée ses meilleures œuvres.

Orazio Borjanni, La Sainte Famille avec St. Anna” vers 1610 huile sur toile. Fondation Roberto Longhi Florence

Sainte Anne, selon la tradition, est la mère de la Vierge Marie et est souvent présente dans les images de la sainte famille avec l'Enfant Jésus. Habituellement, le saint est représenté derrière la Sainte Vierge, ici Borjanni a placé St. Anne à droite. Le culte d'Anne (1er siècle après JC), la mère de la Vierge Marie, est venu en Occident avec des réfugiés chrétiens persécutés par des conquérants musulmans. Autour du 14ème siècle St. Anna était déjà une figure populaire, en partie parce que sa maternité tardive confirmait la doctrine de la naissance virginale. Habituellement St. Anna est représentée avec sa fille. La légende raconte qu'elle s'est mariée trois fois et a eu trois filles. L'enfant Jésus tient une colombe dans sa main, qui est lue comme un symbole de l'Annonciation, du Saint-Esprit et, en même temps, un sacrifice sans effusion de sang (c'est-à-dire la douceur des colombes).

Orazio Borjanni. Lamentation pour le Christ. 1610. Huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

Lamentation du Christ est un épisode de la Passion du Christ, suivant le retrait du corps de Jésus-Christ de la croix et précédant l'enterrement, qui se distingue généralement comme une scène iconographique indépendante. Le deuil a eu lieu sur le Calvaire - au pied de la Croix, ou au tombeau, l'après-midi du Vendredi Saint. Bien que les Évangiles soient muets sur cette scène, une intrigue similaire se retrouve dans le manuel compilé pour les artistes byzantins, ainsi que dans la littérature mystique des XIIIe-XIVe siècles - les "Méditations" de Giovanni de Caulibus et les "Révélations" de Brigitte de Suède. On le rencontre pour la première fois dans l'art byzantin du XIIe siècle, et au siècle suivant en Occident.

Gerrit van Hohnhorst, Le moine lisant, vers 1620 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

Gerrit van Hohnhorst (1590-1656) - artiste néerlandais, l'un des chefs de file du caravagisme dans la peinture non italienne. L'aîné et le plus populaire des frères, Honthorst est né à Utrecht le 4 novembre 1590 ; il était le fils d'un peintre de "treillis". Entre 1610 et 1615 est venu en Italie, où il a vécu à Rome. Là, il a été influencé par le Caravage. A Rome, Hohnhorst, s'étant fait connaître avec des peintures religieuses qui jouent avec les effets de l'éclairage nocturne ; reçu des Italiens le surnom de "Gérard de la Nuit", il s'appelait aussi "Gerardo Fleming". Parmi les étudiants romains de Honthorst se trouvait Matthias Stommer. À son retour dans son pays natal (en 1620), il travailla à Utrecht, où en 1622 il fut admis à la guilde des peintres de sa ville natale, mais en 1637 on trouve une trace de lui dans la guilde de La Haye. En 1623, il devient président de la Guilde de Saint-Luc, la même année, il se marie. Entrant, avec H. van Terbruggen et D. Baburen, parmi les soi-disant "caravgistes d'Utrecht", il fut le plus réussi d'entre eux, jouissant d'une renommée considérable dans les cercles de la cour européenne. Gerrit van Hohnhorst était un maître de la mise en scène théâtrale, dramatique ou comique, fort dans la direction picturale. Il était un maître des peintures religieuses, mythologiques et de genre. Il devint bientôt si à la mode que Sir Dudley Carleton, le ministre anglais à La Haye, recommanda ses œuvres au comte d'Arundel et à Lord Dorchester. En 1626, il organise un dîner pour Rubens. La reine Elizabeth de Bohême , sœur de Charles Ier d'Angleterre , en exil aux Pays-Bas, a invité Honthorst en tant qu'artiste et professeur de peinture à ses enfants. Grâce à elle, Honthorst fut découvert par son frère Charles Ier, qui l'invita en Angleterre en 1628.

Giovanni Lanfranco "David avec la tête de Goliath" vers 1615-1616 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

Lanfranco Giovanni est un artiste italien et un représentant exceptionnel de la peinture à fresque du haut baroque. Né le 26 janvier 1582 à Parme. Giovanni Lanfranco a étudié à Bologne avec Agostino Carracci et plus tard avec son frère Annibale Carracci. Ce dernier aida son élève à obtenir des commandes pour la décoration du Palais Farnèse. Lanfranco vécut et travailla dans sa ville natale, ainsi qu'à Plaisance, puis réapparut à Rome. En plus des fresques, l'artiste Giovanni Lanfranco est célèbre pour ses retables. A Rome, sa notoriété grandissante lui assure une abondance de commandes. Inondé de commandes, Lanfranco a commencé à peindre ses tableaux de manière décontractée et émasculée. De retour à Rome, l'artiste est patronné par le pape Paul V et Urbain VIII. Giovanni Lanfranco est mort le 30 novembre 1647 à Rome.
Un jour, les Philistins rassemblèrent leurs armées contre le peuple d'Israël. Lorsque David est venu vers les troupes israéliennes, après s'être dirigé vers les frères, il a soudainement vu un énorme Philistin nommé Goliath, vêtu d'une armure de cuivre, d'un casque et tenant une énorme lance et un bouclier. Goliath s'est moqué du peuple de Dieu, a blasphémé le Dieu vivant et a dit que si l'un des Israélites le battait, les Philistins seraient ses esclaves. Cependant, personne du camp d'Israël n'a osé sortir pour combattre Goliath, effrayé et horrifié à sa vue. Mais David a dit à Saül comment Dieu l'avait aidé à combattre les lions et les ours pendant qu'il gardait les moutons. Alors Saül lui a permis de se battre et l'a habillé d'une armure et d'un casque en laiton. Mais David n'était pas habitué à de telles armes. Il l'enleva lui-même, prit son bâton dans sa main, choisit cinq pierres lisses dans le ruisseau, les mit dans un sac de berger. Goliath, voyant David marcher vers lui, se mit à se moquer de lui en disant : « Pourquoi vas-tu à moi avec un bâton? Suis-je un chien ? David lui répondit : « Tu vas contre moi avec une épée, une lance et un bouclier, et je vais contre toi au nom de l'Éternel des armées. le Dieu des armées d'Israël, que tu as insulté. » Alors David mit sa main dans son sac de berger, en sortit une pierre, la jeta d'une fronde et frappa Goliath de sorte que la pierre frappa Goliath en plein front et il tomba mort à terre. Les Philistins, voyant que leur homme fort avait été tué, commencèrent à se disperser, et l'armée israélite les vainquit.

Mattia Preti "Susanna et les anciens" ser. 1640 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence

Mattia Preti est un artiste italien. (1613 Taverne (Calabre), - 1699 Malte. Étudie avec Guercino; a été influencé par Caravaggio, Giovanni Lanfranco, Pietro da Cartona et la couronne d'artistes du XVIe siècle. A travaillé à Rome (1630-1641, 1650, 1653, 1660- 1661), Taverne (1642-1644, 1672), Modène (entre 1644 et 1650), Naples (1653, 1656-1661) et Malte (1659, 1661-1674) Mattia Preti est également connu comme le chevalier calabrais ou le cavalier calabrais .il a reçu pour la création d'une statue équestre du pape Urbain VIII.Vers l'âge de 17 ans, il s'installe à Rome, où il a passé la majeure partie de sa carrière.En 1653, il s'installe à Naples, la dernière partie de sa vie (de vers 1660) l'artiste passe à Malte, ce qui est probablement dû au fait qu'il fut anobli dans l'Ordre de Malte en 1642, et immédiatement au second degré d'initiation, les Chevaliers de Grâce du Maître et de Dévotion en Obédience.Il fresques peintes et peintures principalement sur des sujets religieux et mythologiques, des scènes de martyre de saints et occasionnellement sur des sujets quotidiens.
Susanna (hébreu Shoshana - "lis") est un personnage d'un épisode de la traduction grecque de l'Ancien Testament.
La légende raconte comment, pendant la captivité babylonienne (de 598 à 539 av. J.-C.), une belle femme juive fut faussement accusée par deux anciens dépravés de haut rang qui l'espionnaient. Vraisemblablement, ces deux anciens étaient des anciens juifs. Un jour, Susanna se baignait dans son jardin après avoir renvoyé ses servantes. A cette époque, deux anciens, qui avaient une habitude similaire depuis un certain temps, ont commencé à l'espionner. Lorsque, après s'être lavée, la femme était sur le point de rentrer chez elle, ils l'ont arrêtée et ont commencé à la harceler, affirmant que si elle n'acceptait pas leur harcèlement, ils l'accuseraient d'adultère et diraient qu'elle avait eu une rencontre avec un jeune amant. dans le jardin. Elle méprise leur chantage. Elle se met à crier, les gens accourent et les anciens déconcertés mettent leur menace à exécution. Susanna est arrêtée et menacée de mort pour adultère, et la femme jure qu'elle n'est coupable de rien. A ce moment, un jeune homme nommé Daniel (il s'agit du futur célèbre prophète Daniel) intervient dans le processus, à qui Dieu révéla qu'elle disait la vérité : « Dieu suscita l'esprit saint d'un jeune garçon nommé Daniel ». Il isole les deux témoins et les interroge séparément, les soumettant à un contre-interrogatoire. Comme aucun d'eux ne sait exactement ce que l'autre a dit, ils se trompent dans les détails - ils font diverses déclarations sur l'arbre sous lequel Susanna aurait rencontré son amant. . Ils sont condamnés à mort comme faux témoins « selon la loi de Moïse », et la vertueuse Suzanne triomphe : « et ils leur firent comme ils complotaient contre leur prochain, selon la loi de Moïse, et les firent mourir ; et le sang innocent a été sauvé ce jour-là.

Pier Francesco Mazzukeli "Couronnement d'épines" 1610х.м. Fondation Roberto Longhi Florence

Pier Francesco Mazzukeli, surnommé Marazzone (1573, Morazzone, près de Varese - 1626, ibid) : peintre italien. Après une éventuelle formation en Lombardie, Morazzone part pour Rome. À partir de 1598, il travaille en Lombardie, où il réalise des peintures et des fresques.
Dans l'image - l'une des dernières scènes qui composent le cycle d'épisodes de "Le jugement du Christ", qui est un prélude à Ecce homo, après quoi le Christ a été emmené pour être crucifié. Selon Marc, "les soldats l'ont emmené dans la cour, c'est-à-dire au prétoire, et ont rassemblé tout le régiment; / Et ils l'ont habillé de pourpre, et, tressant une couronne d'épines, l'ont mis sur lui; / Et ils ont commencé pour le saluer: Salut, roi des Juifs! Et ils lui frappèrent la tête avec une canne, et ils crachèrent sur lui et, s'agenouillant, se prosternèrent devant lui. une couronne sur la tête du Christ, et ces outils à eux en ce moment former la figure d'une croix. Ce schéma commun vient de la manière dont l'épisode a été présenté dans le drame religieux médiéval. Quant à la couronne elle-même, les artistes du sud se sont attachés (avec une grande retenue) à représenter des épines avec de petites épines, ce qui contrastait fortement avec la manière des maîtres allemands et néerlandais de représenter d'énormes épines. Une couronne d'épines similaire avec des pointes de taille fantastique peut être tenue par un guerrier dans un gantelet en mailles. Ou la couronne s'enfonce dans le front du Christ, exsudant des gouttes de sang. La formation de cette image pourrait avoir été influencée par les œuvres de la mystique chrétienne du XIVe siècle Brigid de Suède, dont les "Révélations" racontent les souffrances du Christ avec beaucoup d'expression et de détails. Ce thème s'est largement répandu dans l'art chrétien depuis le XIVe siècle, ainsi que le culte de la couronne d'épines comme relique sacrée, dont la naissance remonte à la même époque.

Giovanni Basttista Caracciolo surnommé Battistello "La mise au tombeau" vers 1615-1620 huile sur toile Fondation Roberto Longhi Florence. Acheté aux enchères.

Giovanni Battista Caracciolo, surnommé Battistello (1578-1635), fut le premier et le plus brillant maître de la célèbre école de peinture napolitaine du XVIIe siècle. L'artiste prend l'œuvre du Caravage comme modèle, il étudie non seulement ses œuvres situées dans les églises napolitaines (réalisées lors du séjour de l'artiste à Naples en 1607 et 1610), mais également créées à Rome. Battistello a également exécuté de nombreuses fresques, majestueuses et austères, dans lesquelles il a utilisé une gamme inattendue de couleurs claires et vives, pleine de nostalgie des canons du XVIe siècle.
Cet épisode de la Passion du Seigneur est raconté par les quatre évangélistes. Après que le Christ mort ait été descendu de la croix et remis à des parents et à des disciples, l'un d'eux, Joseph Arimatheiskif, comme en témoigne l'Évangile de Matthieu, prit le corps de Jésus, « l'enveloppa d'un linceul pur et le déposa dans son nouveau tombeau, qu'il a creusé dans la roche. » Pour la première fois, le tableau est publié par Longuet lui-même.