Affiches originales de pin-up ( afficher) L'artiste russe Valery Barykin est très populaire sur Internet. Le terme " afficher " vient de l'anglais. " épingler "- épinglé au mur. (Du jargon moderne et russophone, le mot « je plaisante » conviendrait ici). Afficher Est un pop art américain, une affiche murale avec des filles à moitié nues dessus. Les maîtres de la publicité de Coca Cola ont commencé à utiliser cette technique de dessin et l'esthétique des pin-ups s'est épanouie dans les années 1930. Les beautés frivoles sur les couvertures des magazines ont considérablement augmenté leur diffusion. En conséquence du succès, des publications telles que Eyeful, Beauty Parade, Titter - sont passées à publier exclusivement des images de filles qui ont reçu le surnom " les filles pin up". Des pages avec des images épicées de mignonnes ornaient les murs des casernes, des gymnases, des logements de célibataires et des cabines de chauffeurs de camion. Des affiches représentant Betty Grable... Elle était l'un des modèles de pin-up les plus célèbres du début de l'ère. Sa célèbre photo en maillot de bain a été incluse dans la liste des "100 photos qui ont changé le monde" du magazine Life.

Beaucoup de modèles dans les peintures étaient des mannequins ou des célébrités, perçus par la foule comme des symboles sexuels. Des beautés et stars de cinéma célèbres comme Ava Gardner, Anita Ekberg, Brigitte Bardot et Dita von Teese ont posé pour des images de pin-up.

Le modèle de pin-up le plus scandaleux est considéré comme un mannequin américain Betty Page, tourné en 1950-
1957 dans des styles tels que l'érotisme, le fétiche et la pin-up. En 2005, le film provocateur de la réalisatrice américaine Mary Harron - "Obscene Betty Page" est même sorti sur les écrans du monde, qui raconte la beauté légendaire des années 50, dont la profonde religiosité et la simplicité contrastaient si fortement avec son image de femme icône du sexe de son temps ...

L'un des artistes pin-up les plus importants du XXe siècle est considéré comme Jill Elvgren(Gil Elvgren). Les héroïnes d'Elvgren n'étaient pas des femmes fatales, mais des "filles du quartier", prises par surprise lors de certaines situations piquantes. Le succès commercial Elvgren a créé un grand nombre d'illustrations pour des sociétés telles que Coca-Cola, General Electric et a illustré de nombreux magazines populaires. Plus tard, des graphistes célèbres des années 50 ont apporté beaucoup plus de révélation et de frivolité au style d'illustration pin-up.

Vous pouvez voir de vos propres yeux à quoi ressemblent les modèles d'Elvgren "avant" - et leurs images "après":

Peintre Georges Petit(George Petty) est devenu célèbre en 1934 pour ses illustrations de filles enjouées à moitié nues, dessinées spécialement pour le légendaire magazine Esquire. Plus tard, ces beautés ont été surnommées «Petty Girl» et leurs images sont devenues extrêmement populaires. Pendant la Seconde Guerre mondiale, les pilotes américains ont même décoré les fuselages de leurs chasseurs avec des photos de "Petty Girls". (On pouvait même les voir dans certains films de guerre soviétiques, dans des scènes impliquant l'armée de l'air alliée).

En plus des artistes certifiés, il y avait aussi des artistes autodidactes talentueux comme Edouard Ranki(Edward Runci), qui a peint des peintures à l'huile sur toile. Une caractéristique de son travail était que toutes les filles qu'il a peintes dans les années 50 étaient très similaires à Mereline Monroe. La rumeur disait parmi les critiques que de nombreuses œuvres de Ranki appartenaient en fait au pinceau de sa femme, qui a signé les peintures avec leur nom de famille commun « Ranki ».

Contrairement à Elvgrin et à d'autres artistes, Comte Morinécrit aux pastels et jamais utilisé dans son travaille une seule et même intrigue. Son travail a toujours été plus varié que le travail de nombreux artistes célèbres et populaires de l'époque. L'un de ses modèles les plus célèbres était Marilyn Monroe, qui a posé pour lui de 1946 à 1950. Elle a posé pour Earl Moren pour "The Spanish Woman".

Très peu de détails sont connus sur la vie de l'artiste dans les années 40-50. Edouard D'Encon, bien que des centaines de ses œuvres aient survécu. Le style unique et gracieux de sa peinture a permis à Edward de prendre la place qui lui revient parmi les meilleurs artistes du style afficher... Bien que déjà en 1960, il abandonne ce style et d'autres illustrations glamour.

L'idée d'un artiste russe Valérie Barykina combiner les deux écoles graphiques - la publicité américaine et l'agitation soviétique - s'est avérée très fructueuse. Et après que des milliers d'utilisateurs du réseau aient « republié » et reproduit son travail, celui-ci a même commencé à être perçu comme populaire. Néanmoins, l'auteur de ces œuvres vit et travaille à Nijni Novgorod. Aujourd'hui, Valery Barykin est l'artiste le plus célèbre de Russie qui travaille dans ce style. À la limite du kitsch, il stylise ses affiches satiriques d'après les matériaux de propagande de l'URSS des années 50-60, et en même temps, leur donne les traits caractéristiques des affiches d'art américaines classiques représentant des pin-up-girls. Il n'y a personne indifférent à un tel art. L'ironie bon enfant, le grotesque, une légère touche de nostalgie et de provocation dans ses œuvres font écho au travail de ses collègues "dans la boutique" - un artiste de Donetsk, ainsi que des artistes russes, etc.

Soit dit en passant, cette frivolité extérieure et ce sourire bon enfant des œuvres de Barykin cachent au spectateur un travail assez professionnel et acharné. Créer une telle "image" - comme l'auteur lui-même les appelle - prend environ un mois. Et si la base graphique de l'affiche contient des photographies de personnes réelles, alors encore plus longtemps.

Par exemple, cette photo représente trois amis de Valéry : un célèbre galeriste, un photographe et une fille d'une agence de mannequins.

Valéry réalise souvent des illustrations à partir de blancs : il réalise des collages à partir de photographies anciennes et les redessine selon ses idées. Les œuvres de Valery se sont fait connaître dans tout le pays grâce à la publication de ses œuvres dans le magazine Playboy sous le titre général « L'humble charme du socialisme ».

L'artiste lui-même admet

« J'ai toujours été fan du réalisme socialiste. J'admire le travail de Deineka et Pimenov. Quoi qu'en disent les adeptes de l'art conceptuel moderne, ce sont des écoles entières, les noms de ces grands auteurs sont déjà entrés dans l'histoire. Leurs œuvres vivent hors du temps et de l'espace, tout comme les œuvres de Picasso, Léonard de Vinci, etc. De plus, la direction du réalisme socialiste m'est proche, car j'ai grandi pendant ces années...

L'auteur assure également qu'il n'a voulu offenser personne avec son travail. Il aime la vie soviétique, qui est déjà entrée dans l'histoire. Et son style n'est pas une satire caustique, mais plutôt une légère ironie, une version de la nostalgie des temps passés. Et à en juger par ses œuvres, on peut dire que « pin up soviétique "- ce phénomène est assez organique et s'inscrit dans la tradition du Sots Art - la sous-culture de l'art russe : alors qu'une beauté faisait un clin d'œil au citoyen américain à chaque pas, proposant de se rafraîchir, de se raser ou de regarder McDonald's, des femmes sévères, des policiers et les pompiers...

Le même style pin-up ( afficher) utilisé pour créer son projet artistique "" l'un des photographes les plus populaires de Moscou Yevgeny Drobyshev. En plus des images amusantes, vous pouvez y trouver des recettes de cocktails populaires.

D'après les œuvres ci-dessous, vous pouvez apprécier le travail de Valery Barykin.

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Vladimir Kazak est un artiste russe contemporain né à Tver en 1973. En 1995, il est diplômé de la Tver Art School en tant que graphiste.

Le but premier de l'art est d'étonner, et mon travail est une sorte de protection contre le monde prédateur qui l'entoure.

Je suis diplômé d'une école d'art de la ville de Tver. A partir de 1993, il travaille comme illustrateur de livres pour enfants. Un an après avoir obtenu son diplôme universitaire, il maîtrisait un ordinateur, principalement les programmes de mise en page - Quark XPress et Aldus Page Maker. J'ai dessiné par à-coups, principalement dans la littérature pédagogique, ce que j'ai fait. Puis il a changé plusieurs studios et maisons d'édition, où il a travaillé comme designer et directeur artistique.

Maintenant, je fais aussi du design en tant que pigiste, principalement du packaging et un peu d'illustration. Il existe un vivier de clients, principalement des entreprises locales, que je dirige depuis de nombreuses années... Je travaille avec des magazines et des agences de publicité, bien sûr je rêve de dessiner mon propre livre.

J'aime dessiner des femmes et des avions. Non pas comme ça. D'abord les avions, puis les femmes.

Le principal avantage du speedpaint "a est la fraîcheur de la perception. Il arrive souvent qu'un travail excessif des détails ruine l'impression de travail. Une personne peut s'asseoir plusieurs jours, dessiner des cils, des décolorations et des plis pendant des semaines, corriger l'anatomie, mais le travail fini ne sentira que la sueur. en speedpaint "e il n'aura tout simplement pas le temps de gâcher! Oui, dans un dessin rapide, surtout si l'auteur n'est pas Craig Mullins, les défauts sont plus visibles, mais ils sont compensés par la possibilité de voir à nu, la principale chose qui a impressionné l'auteur et lui a fait prendre un crayon ou une tablette .

En fait, j'ai récemment commencé à dessiner sur une tablette. Dessiner de manière classique, c'est différent, mais avec une tablette, je pense que je ne la connais pas encore. D'une part, ses possibilités semblent infinies, d'autre part, pour deux années actives de travail dessus (et trois autres périodiques précédentes :) Je n'ai pas pu développer une dureté de trait suffisante pour pouvoir dessiner avec un crayon ou une sauce sur papier .

Le fait est que je n'avais pas de cours de composition classique, tout ce que j'ai réussi à apprendre moi-même ne remplaçait pas l'éducation systématique. Les compétences que j'ai acquises à l'école avec l'avènement des ordinateurs pourraient être mises à la poubelle en toute sécurité. Qui a besoin d'écrire avec un stylo affiche maintenant, ou de rouler un dégradé sur une tablette avec un rouleau ?

En ce qui concerne les dessins, alors apparemment j'aime beaucoup dessiner et parfois ça marche. En moyenne, le dessin prend une heure et demie. Cela arrive plus vite, mais il arrive que l'image s'imprègne et qu'il n'y ait aucun moyen de s'arrêter à temps.

Dans mon travail direct, je suis inspirée par l'envie de faire beau un flacon/boîte/pot. Une fois, dans une autre ville, à la fenêtre d'un immeuble, j'ai vu un bouquet dans une bouteille vide de mon dessin. C'est mieux que n'importe quel Avard...

Si on parle de dessins, je ne connais même pas de source d'inspiration précise. Parfois, vous sortez de votre tête une intrigue qui y tourne depuis longtemps et l'adaptez, souvent vous vous inspirez du travail d'un collègue - comment il a regardé un objet qui vous est commun.

Beaucoup d'idées sont fournies en faisant du vélo avec ma fille dans un environnement industriel. Les Strugatsky se reposent ! Ce qui ne m'inspire jamais, ce sont les dessins animés japonais et le genre fantastique. Tout a déjà été si bien mâché qu'il ne reste plus qu'à avaler et à oublier.

Il est difficile de comprendre où se termine un passe-temps et où commence la vie quotidienne. J'ai entendu quelque part que si le travail est fait pour le plaisir, alors ce n'est plus du travail. Bien sûr, il y a des commandes difficiles et des clients intraitables dont vous souhaitez faire une pause.
Pour ce problème, j'ai deux solutions - speedpaint et vélo.

Je n'arrive toujours pas à décider quelle invention est la plus ingénieuse - un vélo ou un ordinateur. Il y a aussi un cahier, dans lequel ma femme et ma fille sont généralement dessinées, ainsi que des amis qui boivent du vin avec moi le week-end. Je collectionne aussi des livres sur l'aviation.

21 À mon avis, un élément clé du travail d'un artiste CG est la capacité de faire un travail qui répond à la tâche à accomplir. Peu importe qui l'a dirigé - l'artiste lui-même ou le directeur artistique de son studio. Mais ce n'est pas tout.

Récemment, mes collègues et moi avons parlé de l'art, quelle est sa tâche - enseigner la beauté, favoriser les bons sentiments ou enfin éveiller la conscience ? Et ils sont arrivés à la conclusion que son objectif principal, aussi étrange que cela puisse paraître, est d'étonner. Surprenez le spectateur. Et cette capacité pour un artiste qui travaille dans un marché où le client a toujours besoin d'« hier », où les goûts du public et les priorités changent presque tous les mois, est doublement importante. Sinon, personne ne verra son travail, il se perdra simplement dans le contexte du travail plus réussi de ses collègues.

Une recette pour faire du bon boulot ? Tout d'abord, un bon cuisinier et les bons ingrédients. Dans notre pays, comme en cuisine, il est important de ne pas trop cuire le travail (sinon il va s'effondrer), de ne pas trop cuire (maintenir l'équilibre des couleurs), de ne pas trop cuire (le client peut éternuer), de ne pas le « parfumer » avec des fraises (la police des mœurs peut avoir des estomacs). En général, pour faire un produit technologiquement irréprochable.

Un autre facteur qui ne peut pas être décrit dans un livre de cuisine est l'inspiration. Sans elle, hélas, aucun chef-d'œuvre ne fonctionne. Malheureusement, ce facteur est indépendant des délais, des frais et de l'ambition. Mais l'autodiscipline peut aider - si ce n'est un chef-d'œuvre, alors un vrai spécialiste fera toujours du bon travail !

Il me semble que l'équipe grandit plus vite. Et nous parlons d'une équipe en direct, pas virtuelle. Surtout s'il a un leader à admirer. Eh bien, l'esprit d'équipe à nouveau! Lorsqu'une personne atteint un certain niveau, l'équipe peut devenir un fardeau pour elle. Et ici, une personne doit choisir ce qui est le plus important pour sa réalisation personnelle - le succès, l'argent, la reconnaissance de ses collègues ou, peut-être, une famille et la possibilité de faire ce qu'il aime seul. C'est mon point de vue personnel et je peux me tromper.

Pour les débutants, je recommanderais la même chose que je souhaiterais pour moi - plus de dessin et de bonnes commandes ! Eh bien, un peu plus en détail, puis dessinez constamment, emportez un cahier avec vous - dessinez dans le métro, dans les trains électriques, dans les clubs, rentrez chez vous lire Gottfried Bammes (ou plutôt regardez et étudiez), observez ce que vos collègues dessinent et apprennent d'eux. Vous pouvez faire des copies de leur travail - c'est utile. Eh bien, son propre style viendra tout seul, il a juste besoin d'un peu d'aide :)